Le photographe Dudi Ben Simon se joue de notre perception et use de son imagination pour réaliser des images trompe-l’oeil, aussi insolites que réussies. L’artiste voit en chaque objet ordinaire du quotidien, une opportunité créative et artistique extraordinaire. Issu du domaine de la publicité, Dudi a souhaité repousser les limites de sa créativité au-delà de celles imposées par sa profession. Et c’est grâce à la photographie qu’il y parvient parfaitement !
Découvrez comment l’ordinaire devient extraordinaire en image grâce au regard de l’artiste Dudi Ben Simon.
Pouvez-vous nous dire quelques mots sur votre parcours ? Comment avez-vous débuté la photographie ?
J’ai passé de nombreuses années en tant que Créatif Senior dans le monde de la publicité, dirigeant des campagnes prestigieuses et influentes. Mais parallèlement à cela, une part de moi – l’artiste – a toujours voulu s’émanciper et créer sans brief, sans client, sans les multiples processus marketing et opinions qui jalonnent le parcours.
Bien que j’adore la publicité, j’ai ressenti le besoin d’un espace où la création est entièrement la mienne, sans filtre.
Je ne me définis pas comme photographe au sens traditionnel du terme, car la photographie n’est qu’un élément d’un processus créatif plus vaste. Je me considère avant tout comme un artiste, doté d’un langage visuel personnel auquel je suis profondément attaché – et qui, au fil du temps, a commencé à me reconnaître. C’est presque comme une image de marque : une identité visuelle qui se construit au fil du temps et qui devient partie intégrante de moi.
Dans mon processus, je fais presque tout moi-même : du concept au casting, en passant par la réalisation et le stylisme, jusqu’à la photographie elle-même. Je ne suis pas très technique en matière d’éclairage, contrairement à un photographe classique. Je suis attiré par la lumière naturelle ; je n’ajoute jamais d’éclairage artificiel. J’essaie plutôt de comprendre la lumière existante, de travailler avec elle et d’en tirer le meilleur parti, d’une manière qui me semble juste et honnête.
Comment trouvez-vous l'inspiration pour vos images ?
Mon inspiration vient du quotidien, des petits moments de calme. Je ne suis pas attiré par les choses « extraordinaires », mais plutôt par les détails naturels, discrets et souvent négligés. Mon travail est étroitement lié à ces moments où la réalité elle-même m’offre une idée de manière inattendue, et cela peut arriver à tout moment.
Par exemple, dans l’œuvre avec le manteau tortilla : je conduisais lorsque j’ai aperçu une femme traverser la rue, vêtue d’un manteau blanc cassé qui l’enveloppait d’une manière très particulière. Pendant une fraction de seconde, j’ai perçu le concept avec une telle clarté, comme si l’idée m’était apparue. Il ne me restait plus qu’à la réaliser et à la photographier.
La nature – et notamment le calme de la mer – et certains types de personnes m’inspirent aussi. Des personnes subtiles, qui ne cherchent pas à attirer l’attention. Je ne recherche pas le drame, je recherche la vérité.
Souhaitez-vous transmettre quelque chose à travers vos images ? Une émotion, un sentiment... ?
Pour moi, une bonne œuvre possède une sorte de magie qui doit se manifester immédiatement, en quelques secondes. Sinon, j’ai l’impression d’avoir raté mon objectif.
Beaucoup de gens me disent que lorsqu’ils découvrent mon travail dans leur fil d’actualité du matin, cela commence leur journée avec un sourire ou les touche émotionnellement – et ils se sentent souvent obligés de me remercier pour ce moment. Cela me touche toujours profondément.
Lorsqu’une œuvre ne rencontre pas un écho satisfaisant, je réalise généralement que j’étais trop enfermé dans mon propre monde, trop introverti, et qu’elle n’a pas vraiment touché les gens. C’est une leçon importante pour moi, car ce processus m’apprend non seulement à me connaître, mais aussi à connaître mon public.
Cet apprentissage fait de moi un meilleur professionnel créatif en publicité – plus précis, plus sensible et plus ancré dans la réalité.
Pour moi, une bonne œuvre possède une sorte de magie qui doit se manifester immédiatement, en quelques secondes. Sinon, j’ai l’impression d’avoir raté mon objectif.
Beaucoup de gens me disent que lorsqu’ils découvrent mon travail dans leur fil d’actualité du matin, cela commence leur journée avec un sourire ou les touche émotionnellement – et ils se sentent souvent obligés de me remercier pour ce moment. Cela me touche toujours profondément.
Lorsqu’une œuvre ne rencontre pas un écho satisfaisant, je réalise généralement que j’étais trop enfermé dans mon propre monde, trop introverti, et qu’elle n’a pas vraiment touché les gens. C’est une leçon importante pour moi, car ce processus m’apprend non seulement à me connaître, mais aussi à connaître mon public.
Cet apprentissage fait de moi un meilleur professionnel créatif en publicité – plus précis, plus sensible et plus ancré dans la réalité.
Techniquement parlant, comment produisez-vous vos images ? Quel est le processus créatif pour parvenir au résultat final ?
Pour créer une image forte, je dois d’abord ressentir un lien réel, soit avec le produit que je photographie, soit, dans certains cas, avec une photographie imprimée que j’intègre à mon travail. Je ne recrée ni ne photographie une image existante : je prends un tirage physique, comme une carte postale, et je l’utilise comme objet visuel dans ma composition. C’est comme photographier une photographie, mais dans un contexte et une signification nouveaux.
Une fois connecté, je garde l’objet ou l’image près de moi dans mon espace de travail : je le laisse reposer, je l’absorbe, je vis avec. Dès que des idées émergent, je les teste immédiatement en réalisant des croquis avec mon téléphone. Cela m’aide à comprendre si le concept tient la route visuellement. S’il ne me semble pas assez convaincant, je le laisse de côté et j’attends une nouvelle idée.
Lorsque je sens que le concept fonctionne, je passe à la production
Pour moi, c’est souvent l’étape la plus exigeante. Il s’agit de trouver les éléments parfaits pour donner vie à l’idée : le bon modèle, la bonne lumière, le bon support.
Par exemple, pour l’œuvre où j’ai créé un foulard à partir de nachos, j’avais une image très précise en tête : un modèle dans une certaine pose, dans une atmosphère particulière et sous une lumière naturelle. Je ne suis pas attiré par les looks trop soignés. Je préfère les personnes qui semblent authentiques, avec peut-être même une légère imperfection qui donne du caractère et de la présence. Après avoir trouvé l’image idéale, j’ai dû chercher les nachos parfaits – en termes de forme, de texture et de couleur. J’en ai acheté plusieurs types et les ai testés pour voir ce qui fonctionnait le mieux sur la photo.
Mon plus grand défi créatif est de créer quelque chose qui trouve un écho auprès d’un large public. D’une certaine manière, il est plus facile de créer des œuvres d’avant-garde ou de haut niveau, pleines de théorie et d’abstraction. Mais créer quelque chose d’intelligent et de captivant visuellement, tout en étant accessible émotionnellement à des personnes extérieures au monde de l’art, voilà mon véritable défi.
