article blog février 2024 Hengki Koentjoto

Hengki Koentjoro, la majesté de l'Indonésie en noir & blanc

Hengki Koentjoro commence la photographie à 11 ans à Samarang, en Indonésie, après avoir reçu un Kodak Pocket. Grâce à ce simple appareil argentique de poche, la grande passion pour la photographie fleurit en l’artiste. C’est une passion lente, teintée d’espérance et d’impatience. Pour chaque pellicule, le jeune Hengki doit attendre un mois avant de voir ses photos, car le seul laboratoire se trouve à Singapour. Cette patience forcée, devenue maître pour l’artiste, se retrouve encore dans ses séries actuelles. Chez Hengki Koentjoro, la photographie est méditative, imprégnée dans un noir et blanc profond qui force l’humilité.

Dans sa série Altitude, Hengki Koentjoro photographie l’immensité de l’Indonésie en noir & blanc. Documentant les contrastes et les textures, c’est l’interdépendance de toutes choses qui se révèlent dans ses photographies.

article blog février 2024 Hengki Koentjoto
©Hengki Koentjoro

Hengki Koentjoro touche le ciel

Située sur le Cercle de Feu, là où se rencontrent l’océan Pacifique et la fin de la ceinture alpine, l’Indonésie jouit d’une topographie volcanique très riche. Ce sont ces reliefs foisonnants que Henkgi Koentjoro capture inlassablement. Profitant de points d’observation naturels en altitude, il photographie à l’aube, pour encapsuler toute la beauté des forces de la Nature.

« C’est l’une des plus grandes joies de la vie : le plaisir de se réveiller à l’heure la plus matinale, de courir avec l’aube pour gravir les hauteurs de la terre. Et ils seront là dans toute leur majesté : couverts par la brume qui enveloppe la naissance du jour, les sommets endormis s’éveillant aux premières lueurs du lever du soleil. »

Bien que sans artifices, les photos de Hengki tombe dans le royaume du mystique. Les monochromes de l’artiste sont des portraits idiosyncrasiques de la Nature insaisissable, dense et merveilleuse. L’émotion est au centre de son art, un reflet d’humeur de l’artiste renvoyé par ce miroir qu’est Mère Nature pour l’Homme. Dans les nuances de gris, Hengki expose les nuances du monde.

« Je suis d’accord avec Elliot Erwitt qui a dit que la photographie est un art de l’observation ; cela n’a pas grand-chose à voir avec les choses que vous voyez et tout à voir avec la façon dont vous les voyez. Pour moi, la photographie est une expression qui doit susciter l’émotion. »

Pas de lumière sans obscurité

L’interdépendance des choses — exprimée par ce jeu de miroir entre Humain et Nature ainsi que photographe et spectateur, se retrouve magnifiée par l’utilisation d’un noir & blanc contrasté et frappant. Avec ce simple symbole, Hengki Koentjoro donne un sous-texte presque religieux à ses photographies. C’est une lecture claire qui se fait de ces clichés, où la lumière règne grâce à l’obscurité et les formes prennent vie dans l’existence d’un rien imperceptible. L’être et le non-être, la Nature et l’Homme, le noir et le blanc, c’est bien tout cela que saisit le photographe, bien au-delà d’un paysage sauvage qui pourtant nous apparaît comme tel.

« Le noir et blanc est intemporel. Je vois plus clairement dans la photographie monochrome, je trouve que la couleur est distrayante. En noir et blanc, les formes, les lignes, la lumière et les ombres deviennent des éléments très importants avec lesquels il faut jouer. La tonalité est essentielle parce qu’il y a 256 nuances de gris et qu’il ne s’agit donc pas seulement de noir et de blanc. En fait, la capacité de choisir la quantité et l’emplacement de ces nuances est importante pour réussir une photographie monochrome. »

La fabrication d'une photographie

Hengki Koentjoro est un artisan de la photographie qui s’investit dans son art. De l’ascension des hauteurs de l’Indonésie jusqu’à la retouche de ses photos, il garde un esprit créateur très pur. L’émotion et le ressenti face à une œuvre constituent le point d’orgue de son processus créatif.

Que ce soit derrière son objectif ou son ordinateur, Hengki prend soin de travailler ses clichés pour offrir au spectateur un spectacle où foisonnent émoi et admiration face à cette Nature sublimée.

« Mon idole est le grand Ansel Adams ; c’est lui qui a pratiquement ouvert ma carrière dans la photographie en noir et blanc. La seule raison pour manipuler une photo dans une chambre noire ou dans Lightroom est sa célèbre citation : « On ne prend pas une photo, on la fait ».
À mon avis, au bout du compte, lorsque la poussière est retombée, c’est la photographie finale qui compte ; tant que la photographie évoque une émotion pour le public, il s’agit d’une photographie légitime, peu importe qu’elle ait été retouchée ou non. »

Hengki Koentjoro – SiteInstagramFacebook


Article blog maxime visticot février 2024

L'argentique haut en couleur par Maxime Visticot

Maxime Visticot est un photographe passionné depuis la tendre enfance. En parallèle de son travail de directeur artistique, il se consacre à cet art qui lui est cher. Appareil photo en main, Maxime Visticot photographie sans relâche, peu importe son environnement.

Depuis 2020, son travail est consacré à l’argentique. Comme pour beaucoup, cela a commencé avec une certaine fascination pour l’appareil photo d’un parent, prenant la poussière dans son coin. C’est ainsi que Maxime Visticot s’est trouvé charmé par l’argentique, son authenticité et le processus qui vient avec ce médium.

Très actif, Maxime Visticot nous présente aujourd’hui sa vision de la photographie à travers deux séries qu’il a réalisées. Deux séries à la fois différentes et similaires, qui résument une approche tendre pour la photographie argentique, teinte d’une passion débordante pour cet art.

Article blog maxime visticot février 2024
Brighton ©Maxime Visticot

Comment avez vous commencé la photographie ? Qu'est-ce qui vous plaît particulièrement avec ce médium, notamment l'argentique ?

Assez jeune, j’ai eu envie d’un bel appareil photo. J’ai eu mon premier réflex numérique Canon à l’âge de 12 ans, en cadeau de Noël. Je ne faisais rien de très artistique, mais j’aimais photographier des choses très banales à la maison, les évènements de famille ou les vacances. Je touchais un peu à tous les réglages de l’appareil et c’est comme ça que j’ai appris l’aspect technique.

J’ai commencé à en faire plus sérieusement pendant mes études supérieures. Sans grande ambition derrière la tête au départ, mais c’était quelque chose que j’aimais faire au quotidien et qui m’animait.

Concernant l’argentique, j’ai sauté le pas en 2020 avec l’ancien Minolta X-300 de mon père. Cet appareil trainait dans un placard depuis une ou deux décennies. Après un premier test dans les rues de Lille, J’ai eu un véritable coup de cœur pour tout le processus et l’importance qu’il faut accorder à chaque prise de vue. À mon sens, l’argentique permet de vraiment se concentrer sur son environnement, sur l’instant et sur chaque détail, sans s’attarder sur le rendu. Et pour réussir ses photos, il faut bien se concentrer avant de déclencher : bien réfléchir à sa prise, bien exposer, étudier la lumière.
La photo est aujourd’hui pour moi un moyen d’exprimer ma vision sur ce qui m’entoure, de capturer la beauté du quotidien, de documenter des lieux, des voyages, des villes avec un certain regard, le mien.

Quel matériel utilisez-vous ? Avez-vous une pellicule de prédilection ?

Je travaille principalement avec des appareils argentique manuels ou semi-automatique. Je trouve important dans ma pratique de pouvoir faire moi-même les réglages, ça donne plus de liberté lors des prises de vue. De même, j’utilise principalement des focales où je peux zoomer, pour être plus libre de mes compositions tout en restant en retrait de mes sujets (notamment en photo de rue). Mon boîtier de prédilection a longtemps été celui de mon père, le Minolta X-300, avec une focale 35-70mm. Aujourd’hui, j’utilise son petit frère, le Minolta X-700. Et parfois, je teste de nouveaux appareils pour le plaisir, comme des compacts Point & Shoot dénichés en brocante.
Pour ce qui est de la numérisation, le scan des négatifs est réalisé par mes soins avec un scanner de la marque Plustek.

Ma pellicule de prédilection est la Kodak Gold 200. C’est celle que j’utilise quand il y a un grand soleil à l’extérieur, mes conditions favorites pour aller en balade photo. Elle rend tellement bien hommage aux ambiances lumineuses, solaires et dorées que j’aime capturer, le tout en jouant avec les ombres et les contrastes que le soleil crée.

Pouvez-vous nous présenter vos deux séries, sur Brighton et en Dordogne ?

La série à Brighton and Hove, sur la côte anglaise, a été réalisée lors d’un séjour d’avril. J’avais pris un Ferry depuis Dieppe pour aller découvrir cette ville qu’on m’avait recommandé. J’ai effectivement eu un vrai coup de cœur : l’ambiance, l’ouverture d’esprit des gens, les ruelles et maison colorées au style anglais, le fameux Brighton Pier sur lequel est disposée une immense fête foraine et un casino… C’est comme un Los Angeles mais à l’anglaise. C’était un plaisir de capturer des scènes de vie dans ce cadre si différent et pourtant si proche de chez nous.

La série en Dordogne date de l’été dernier. Je passe depuis plusieurs années des vacances en famille dans le Périgord Noir et je suis amoureux de cette région pleine de charme et d’histoire. J’adore aller faire des balades photo et sillonner ses magnifiques villages, ses châteaux, ses jardins, capturer les balades en canoë ou les marchés.

Avez-vous une approche différente de vos sujets, et de la photographie en générale, d'une série à l'autre ?

Pas forcément. Je fonctionne beaucoup au feeling et je pars généralement faire mes balades photo dans un lieu sans vraiment avoir d’attente au préalable, sans préparer d’itinéraire précis. Je marche, parfois plusieurs kilomètres sans rien photographier. Mais aussitôt qu’une scène capte mon attention, si un lieu, un moment de vie, un détail me plaît, je vais m’arrêter. Puis je vais attendre le bon moment : la bonne silhouette, l’angle et la composition parfaite, la bonne lumière… Le délai pour déclencher peut être très vif, comment il peut prendre 15 minutes le temps d’avoir UN instant précis.

Que voudriez-vous faire ressentir au spectateur à travers vos photos ?

Je dirais qu’à travers mon travail, j’essaye d’exprimer une certaine authenticité avec un côté doux, intemporel et nostalgique. J’aime que les personnes qui découvrent mes séries d’images ressentent une certaine forme de paisibilité, qu’elles puissent imaginer le sujet documenté avec la vision onirique,
cinématographique, colorée et légère que j’ai essayé de leur apporter. J’aime aussi faire ressortir la beauté des éléments qui nous entourent ou d’instants qui peuvent sembler parfois très banals.

Maxime Visticot : SiteInstagramFacebook


article blog francesco gioia street photographie février 2024

Francesco Gioia : Surréalisme et Street Photography

De nos jours, la Street Photography est une pratique que tout le monde connaît. Très à la mode, celle-ci permet de dévoiler une ville, son âme et de raconter les histoires hétéroclites de ses habitants. Appareil photo en main, le photographe scrute, s’efface et laisse place à la vie citadine effervescente.

Francesco Gioia excelle dans cette discipline. Plus qu’un photographe, c’est un peintre de l’urbain. Dans son travail, ce n’est pas seulement la ville et ses habitants qui sont immortalisés, mais aussi les textures, qu’il capture avec une attention délicate et les ombres, qui cachent ou révèlent soigneusement des histoires.

Son œil averti, Francesco Gioia le doit sûrement à toutes ses influences. Des grands noms de la photographie, bien sûr, comme Aenne Biermann, William Klein, ou encore André Kertész; mais aussi de domaines autres que la photographie. Le surréalisme et l’abstrait certains de son travail prennent tout leur sens quand on apprend son amour pour Sophie Tauber-Arp, Joan Miró, Piet Mondrian et même David Lynch.

Découvrez donc le travail de Francesco Gioia, un photographe inspiré et inspirant, qui nous fait découvrir le paysage urbain à travers son regard unique. Parcourez les ombres et les formes dans ces photographies et plongez vous dans cette œuvre riche pleine de symbolisme.

Comment avez-vous commencé à pratiquer la photographie ? Qu'est-ce qui vous plaît particulièrement dans ce médium ?

J’ai été confronté très tôt à la photographie, mais je ne me souviens pas exactement de l’âge auquel cela s’est produit. Enfant, je m’amusais à mettre en scène mes amis dans des pièces de théâtre et des films à l’aide d’une vieille caméra. Des années plus tard, j’ai commencé à travailler dans une agence de photojournalisme à Florence, où je vendais des photos et en faisais revivre d’anciennes. Après avoir déménagé à Londres en 2015, j’ai redécouvert ma passion pour la photographie et j’ai commencé à la poursuivre sérieusement.

Je m’intéresse à beaucoup de choses qui changent constamment. Pourtant, ces derniers temps, je me suis intéressé à la manière dont les choses se détachent et s’assemblent, en trouvant une certaine élégance dans la manière dont les humains organisent les matériaux et en cherchant des moyens magiques de faire en sorte que tout résultat soit plus que la somme de ses parties.

Lorsque je réfléchis à ce que je fais, j’essaie toujours de créer des œuvres qui sont le début et non la fin de quelque chose.

Y a-t-il une émotion ou un message que vous souhaitez faire passer à travers votre photographie ?

L’art ne devrait pas avoir pour but d’imposer une narration ou un message spécifique aux spectateurs. Au contraire, mon but est de fournir une toile pour l’interprétation individuelle. Il est fascinant de voir que les gens peuvent trouver leur propre histoire dans mes photographies et développer une connexion qui va au-delà de mes intentions, devenant quelque chose de profondément personnel.

Le pouvoir d’une image réside dans ce qu’elle fait ressentir au spectateur. Cependant, chacun s’identifiera à une œuvre d’art d’une manière différente. Il peut être difficile de créer une image qui suscite une réponse émotionnelle chez chaque personne. C’est pourquoi, en tant que créateur, je préfère développer des œuvres ouvertes. Lorsqu’une image est limitée à une étiquette ou à un concept spécifique, elle peut perdre son attrait et cesser d’être intéressante. Au contraire, je cherche à stimuler la curiosité du spectateur et à l’encourager à explorer davantage. Je cherche à créer des images visuellement frappantes et à inspirer l’imagination du spectateur.

Y a-t-il une photo particulière que vous avez prise et qui vous tient à cœur ? Si oui, pourquoi ?

La photo de l’homme debout devant la vitrine, regardant attentivement le tableau, m’a profondément marqué. La simplicité de l’instant et la posture de l’homme en font une image qui m’est chère. Ce tableau évoque le sentiment inné de solitude et de mélancolie que nous ressentons tous à un moment ou à un autre de notre vie. Cependant, l’isolement dépeint dans cette photo a quelque chose d’unique qui la distingue de la triste représentation typique de la solitude. L’homme semble en paix avec sa solitude, et son attitude contemplative suggère qu’être seul n’est pas inconfortable pour lui. Au contraire, il s’agit d’une expérience harmonieuse, tout comme la découverte de la beauté simple d’un magasin vide. Cette photo offre un petit aperçu d’un moment fragile.

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©Francesco Gioia

Francesco Gioia – SiteInstagramLivre


Article agenda sorties photo de février 2024

Votre agenda photo de février 2024

En février 2024, le mois s’annonce riche en photographie ! Dans la continuité de janvier, de nombreuses expositions ouvrent leurs portes pour le plus grand plaisir des amateurs de photographie.

Entre grands noms de la photographie et jeunes artistes prometteurs, ce mois de février 2024 saura en émerveiller plus d’un ! Pour ne pas manquer les sorties photos intéressantes, Graine de Photographe vous présente quelques expos à ne pas manquer ce mois-ci.

Découvrez sans plus attendre notre sélection d’événements photo près de chez vous en février 2024 !

Les expositions photo

SINK/RISE de Nick Brandt

Avec The Day May Break, série mondiale entamée en 2020, Nick Brandt s’engage dans la lutte contre la destruction de l’environnement. Le troisième volet de ce projet au long cours, intitulé SINK / RISE, met en scène des habitants des îles Fidji, menacés par la montée des eaux. L’exposition de la galerie Polka présente les images réalisées pré-apocalyptiques — sans trucage ni montage — du Pacifique Sud submergé afin de dénoncer les conséquences de la crise climatique sur le vivant.

« Cette série témoigne de l’impact qu’aura la montée des eaux sur les centaines de millions d’habitants dans le monde qui vivent sur les littoraux et au-dessous du niveau de la mer. »

À découvrir du 2 février au 16 mars 2024.

Lieu : Galerie Polka, Paris 

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©Nick Brandt, Petero by Cliff, Fiji, 2023.
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©Sebastião Salgado, Artic National Wildlife Refuge, Alaska, USA, 2009

Magnum Opus II de Sebastião Salgado

« Magnum Opus » est une proposition inédite de Sebastião Salgado : cinquante images, parmi les plus iconiques de son œuvre, tirées au platine-palladium dans le laboratoire Salto Ulbeek de Georges Charlier en Belgique et proposées à la vente en édition limitée.

Un an après la présentation des premiers tirages, la galerie Polka expose le deuxième volet de cette collection exclusive avec 15 images issues des séries les plus récentes comme Genesis et Amazôniamais aussi d’ensembles précédents tels que Gold ou La Main de l’Homme.

L’exposition se tiendra à partir du 2 février 2024.

Lieu : Galerie Polka, Paris 

Weegee, autopsie du spectacle

La carrière du photographe américain Weegee semble être scindée en deux : tout d’abord, les clichés chocs parus dans la presse tabloïde nord-américaine; puis des images festives, capturées lors de soirées mondaines, des spectacles de saltimbanques, des bains de foule en liesse, des vernissages et des premières de films.

Du 30 janvier au 19 mai, l’exposition « Autopsie du Spectacle » a pour ambition de réconcilier les deux Weegee en montrant qu’au-delà des différences de formes, la démarche du photographe repose sur une réelle cohérence critique.

Lieu : Fondation Henri Cartier Bresson, Paris

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Self-Portrait, Weegee with Speed Graphic Camera, 1950 [Autoportrait avec un appareil Speed Graphic, 1950] © International Center of Photography. Collection Friedsam
Article agenda sorties photo de février 2024
©Safia Delta, Le Cercle ou l'enracinement impossible, 2020

Perspectives #23 : Christopher Barraja, Emma Cossée Cruz, Safia Delta, Angéline Girard, Loïc Laforge

En apportant des solutions concrètes aux nécessités de pérennisation de leur activité, le programme Perspectives soutient les photographes émergent·es dans le processus de structuration et de professionnalisation de leur activité. Cette exposition clôture une année d’interventions assurées par des professionnel·les de l’image, d’accompagnement artistique, de suivi individuel et présente les travaux des cinq bénéficiaires de cette quatrième édition.

Vernissage le vendredi 9 février 2024 à partir de 18h.

Lieu : La Chambre, Strasbourg

Liban, Stratigraphie de Stéphane Lagoutte

En cinq séries, « Beyrouth 75-15 », « Observation », « Révoltes », « Voir », et « Survivance », Stéphane Lagoutte nous parle d’un temps non linéaire. Il étudie, tel un géologue, la succession des strates qui constituent l’histoire contemporaine du Liban depuis 1975. Les couches se succèdent, se diffusent, semblent former un cycle empêchant toute transition, mais les faits ne se répètent jamais tout à fait à l’identique. Entre mémoire et actualité, le photographe emprunte de nouvelles voies.

Surimpressions, agrandissements, projections, détails, sont autant de formes d’écritures photographiques qui permettent au photographe de débusquer les signes et de rendre compte de la situation complexe de ce pays.

L’exposition se tiendra du 26 janvier au 27 avril 2024

Lieu : Simultania, Strasbourg

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©Stéphane Lagoutte
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© Arno Brignon / Signatures

Us de Arno Brignon

Du 25 janvier au 14 avril, découvrez le voyage photographique d’Arno Brignon, effectué de 2018 à 2022 avec sa famille dans les douze villes éponymes des capitales historiques Européennes, à travers les Etats-Unis. De ce road trip, Arno Brignon retiendra 60 photographies couleur et noir & blanc argentiques sur films périmés, pour réaliser cette exposition.

« Un road trip symbolique pour parler de cette société au parfum post-démocratique, à ce moment où populisme et technocratie semblent s’affronter un peu partout en Occident. Regarder ce pays, né des colons venus d’Europe qui en ont chassé les autochtones, c’est nous regarder aussi, tant nos liens sont forts, et tant nos états sont unis pour le pire et le meilleur. » – Arno Brignon

Lieu : Galerie Le Château d’eau, Toulouse

Rien à perdre de Philémon Barbier

Du 25 janvier au 14 avril, l’exposition « Rien à Perdre » propose de documenter la construction de l’identité des jeunes des milieux populaires à travers la musique rap qui fait partie intégrante de leur quotidien.

En se concentrant sur la scène toulousaine, Philémon Barbier aborde les thématiques de la masculinité et de la sensibilité des quartiers populaires à travers le rap.

Lieu : Galerie Le Château d’eau, Toulouse

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© Philémon Barbier - Collectif Hors Format
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© Mabeye Deme - Détail - Borou Guedj 8 - impression jet d’encre pigmentaire, papier Hahnemühle - 20 x 30 cm - 2021

Golf Sud de Mabeye Deme

Mabeye Deme est né à Tokyo d’une famille sénégalaise. Retournant régulièrement à Dakar, il y fait l’expérience de l’exil constitutif de son histoire familiale. La ville lui est autant familière que distante. Le filtre lui permet de trouver une place instable pour entrer en relation avec Dakar, sans forcer l’illusion d’une immédiateté. Mabeye Deme trouve sa place sous les toiles usées des tentes éphémères construites au milieu des rues des quartiers populaires dakarois. Ces tentes accueillent des cérémonies de mariage, de baptême, de décès, de fêtes en tout genre…

Une exposition à découvrir du 1er février 2024

Lieu : Regard Sud, Lyon

Portrait de la terre des hommes de Kentaro Kumon

Première exposition en France pour le photographe Kentaro Kumon avec « Portrait de la terre et ses hommes ». Alors que les hommes contrôlent, modifient et ainsi créent leur terre, Kentoro Kumon porte un intérêt particulier aux paysages façonnés par des hommes et capture les changements dus au réchauffement climatique. Ce sont les activités humaines tantôt en osmose, tantôt en conflit avec la nature et la terre qui nous sont ici révélées.

Du 3 février au 2 mars 2024

Lieu : Galerie 48, Lyon

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©Kentaro Kumon

Èvènement

L’INSTITUT À LILLE ART UP!

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© Claire-Marie Régent - Institut pour la photographie

Comme chaque année depuis 2019, l’Institut pour la photographie de Lille participera à la foire d’art contemporain Lille Art Up! pour présenter son projet architectural et l’ensemble de sa programmation à venir. C’est aussi l’occasion de vous retrouver en ce début d’année, hors-les-murs de l’Institut !

Rendez-vous du 8 au 11 février prochain au Grand Palais de Lille.

Ce que vous pouvez encore voir de nos agendas précédents

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article blog conseil argentique janvier 2024

Conseil photo - Se lancer dans l'argentique

La photographie argentique a subi une petite récession dans le monde de la photo avec les avancées du digital, mais dernièrement, le format commence à gagner en popularité. Que vous soyez photographe professionnel ou amateur, l’envie vous prend sûrement de dépoussiérer vos vieux boîtiers ou de vous essayer à l’argentique !

Découvrez nos conseils et astuces pour se lancer dans le grand bain de l’argentique.

article blog conseil argentique janvier 2024

Le choix du format et du boîtier

Si vous n’avez pas encore de boîtier argentique, il vous faudra songer aux types de photos que vous souhaitez prendre. La première question à se poser est celle du format de la pellicule. Bien qu’il en existe plusieurs, les deux types de format les plus répandus sont le 135mm et les 120mm.

Le 135mm reste le plus populaire. On l’appelle également plein format ou 24x36mm, il permet de prendre des photos sur des négatifs aux dimensions 24x36mm, pour des pellicules pouvant aller jusqu’à 40 vues.

Le format 120mm, lui, contient 12 vues par pellicules pour des photos d’une taille de 6x6cm.

Une fois le format choisi, vous pouvez alors vous mettre à la recherche d’un boîtier au format désiré. Peut-être que des parents à vous ont gardé leur vieil appareil photo et qu’ils peuvent vous en faire don ! Sinon, direction les brocantes, Leboncoin ou encore Ebay pour y faire des affaires. Si les brocantes proposent des appareils à moindre coût, il faudra faire attention à l’état. Bien souvent, les appareils ont des problèmes qui vous coûteront bien plus en réparations ! Les sites en ligne vous permettent ainsi de rechercher un modèle précis, parfois peu coûteux, et en bon état de marche.

L'argentique et la pluralité des pellicules

Avant de charger votre première pellicule, vous devez choisir entre le noir et blanc et la couleur.  Aujourd’hui, une grande diversité de pellicules est proposée aux photographes à l’argentique. Le noir et blanc est un choix sûr pour les débutants. En effet les pellicules de noir et blanc contiennent moins d’argent et seront donc — pour la plupart — les moins chères du marché.

article blog conseil argentique janvier 2024

Mais pour toutes les pellicules, couleur ou noir et blanc, il faudra faire attention à la vitesse. La vitesse du film fait référence à la sensibilité de la pellicule, indiquée en iso sur les boîtes :

  • Jusqu’à 200 iso, on dit qu’un film est « lent ». Il aura peu voire pas de grain et conservera ainsi plus de détails. On peut privilégier cette sensibilité pour du studio ou de la photo requérant un trépied.
  • De 200 à 800 iso le film est « moyen » et aura un grain modéré. Ces sensibilités, assez versatiles, permettent de les utiliser pour le portrait, la street photography ou le reportage.
  • Au-delà de 800 iso, le film est « rapide ». Il aura un grain très présent, et sera idéal pour des photos de concerts ou en soirée.

Soyez patient !

Avec l’argentique, il faut faire des réglages entre chaque cliché : prendre une mesure de lumière, régler son ouverture et sa vitesse. Contrairement au numérique, pas moyen de visualiser votre photo sur le moment. L’argentique requiert de la patience ! Le caractère analogue de cette pratique récompense le photographe d’une manière unique. Une fois les négatifs en main, le sentiment d’avoir des photographies physiques est inégalable.

Mais l’argentique peut être impardonnable. C’est une pratique qui demande d’accepter ses erreurs et d’évoluer avec. Et les erreurs sont souvent de joyeux accidents ! Même si une photo est « ratée », les fuites de lumières agrémentent le style, les poussières du scan ancrent la photo dans la réalité et les mises au point approximatives donnent une touche onirique. Laissez la photo vous prendre tout comme vous prenez la photo.

Prenez des notes et cataloguez

Pour ceux qui débutent à l’argentique, prendre des notes est d’une grande aide. Gardez une trace de vos réglages ! Pour mieux comprendre vos photos, notez les iso, l’ouverture du diaphragme et la vitesse pour chaque photo prise.

Vous pourrez alors ajuster ceux-ci lors de prochaines séances photos et ainsi améliorer vos photos. Bien que l’exposition donnée par la cellule sera souvent exacte (tant que celle-ci fonctionne), il se peut que vous préfériez une photo plus ou moins exposée. N’hésitez pas à contredire un réglage donné pour obtenir un rendu plus personnel. Attention à ne pas s’éloigner trop non plus du réglage donné par votre cellule, au risque d’avoir une photo complètement illisible.

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Une fois vos péllicules développées, rangez les négatifs dans une pochette prévue à cet effet pour éviter qu’ils ne se rayent ou prennent la poussière. Pensez à les cataloguer avec les sujets des prises de vue ainsi que la date de développement. Ce sera plus facile de les retrouver quand l’envie vous prendra de faire des tirages ou des scans !

Osez le développement et le scan de l'argentique

Même si vous trouverez des laboratoires compétents partout en France, développer ses propres films fait partie de l’expérience argentique. Le développement des pellicules noir et blanc est particulièrement accessible. Une chambre noire n’est même pas nécessaire, il vous suffira d’un sac étanche, d’une cuve à film et des produits fixateurs et révélateurs ! Le développement demande un peu de connaissances et d’apprentissage, mais c’est une compétence qui vous permettra d’économiser les coups de développement en laboratoire.

article blog conseil argentique janvier 2024

Il en va de même pour le scan. Une fois l’investissement dans un bon scanner réalisé, vous finirez par économiser sur vos scans, et souvent pour une meilleur qualité qu’en laboratoire !

Besoin d'un coup de pouce ?

Si vous souhaitez vous lancer dans l’argentique aux côtés d’un professionnel, rejoignez-nous pour un cours de découverte de l’argentique à Lille et à Paris ! Découvrez comment vous servir de votre appareil, charger et décharger la pellicule et prendre des photos comme un pro ! Grâce à notre partenaire Ilford, une pellicule vous est même offerte pour ce cours !

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article blog janvier 2024 sur lars tunbjörk street photography

Lars Tunbjörk, un regard sur une Suède en transformation

Dans les années 60 à Borås, dans le sud-ouest de la Suède, Lars Tunbjörk est un jeune photographe en devenir qui grandit dans l’ombre du renouveau. Alors que les excavateurs machinent pour transformer la province suédoise à l’aube d’un renouvellement social et urbain, Lars Tunbjörk est le témoin d’une époque où tout est remplacé par du neuf et où la folie consumériste s’empare doucement des habitants.

C’est dans ce contexte que Tunbjörk réagit et commence à photographier. Il choisit alors de « labourer le milieu suédois« , de raconter l’histoire des Suédois, du quotidien, mais aussi de l’irréel et de l’inattendu qui se produisent dans la vie de tous les jours.

À travers différentes séries, Lars Tunbjörk va dresser le portrait légèrement caustique des suédois avec un regard bienveillant, soulevant l’ironie de notre monde.

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©Lars Tunbjörk

Lars Tunbjörk sur la folie consumériste

Dans sa série « Landet Utom Sig » (« Un Pays Hors De Contrôle »), Lars Tunbjörk photographie la population dans les campings, les supermarchés et les supérettes. Armé de son appareil photo moyen format et d’un flash bricolé par ses soins, il dépeint l’arrivée soudaine de l’économie de marché en Suède. Ses photos, empruntes d’absurde, sont à la fois très humoristiques et d’une mélancolie certaine.

C’est avec cette série que Tunbjörk s’impose en tant que photographe. Son style très coloré, avec une utilisation marquée du flash, s’affirme déjà dans ces photos. Tant et si bien que le terme « Tunbjörkare » va en émerger, désignant une image qui reflète à la fois les qualités et l’absurdité de la vie.

Avec « Landet Utom Sig », Tunbjörk transforme le paysage photographique suédois de manière significative :

On peut parler d’un avant et d’un après Landet utom sig, le livre publié en 1993 par la petite maison d’édition de livres de photos Journal, avec Gösta Flemming comme éditeur et Greger Ulf Nilsson comme concepteur. Il s’agit de l’un des livres de photos les plus importants du 20e siècle suédois. – Per Lindström

La Suède et Lars Tunbjörk

De 1988 à 1995, Lars Tunbjörk prend diverses photos de la Suède lors de ses voyages. Les photographies forment alors une série intitulée « I Love Borås » et s’établit dans la continuité de « Landet Utom Sig ». Ici, Tunbjörk étend sa réflexion aux stations services et aux parcs d’attraction, s’immisçant un peu plus dans l’intimité des Suédois.

Ces clichés de scènes banales de la vie quotidienne explorent l’hystérie d’un postmodernisme notoire. À travers cette série, Tunbjörk décrit une population qui s’adapte un peu trop bien au consumérisme dans un contexte de récession économique important. Avec un regard satirique teint d’empathie, Tunbjörk documente la société suédoise bouleversée. Les compositions faites sur le vif et les couleurs éclatantes – soulignées par l’utilisation du flash – renforcent son propos sur un mode de vie très « plastique ».

Une empreinte durable dans la photographie

Avec ces deux séries, Lars Tunbjörk s’est vite imposé dans le monde de la photographie. Son exploration incessante de la couleur lui a permis de se hisser au même rang que des grands noms de la photographie. Et si il se rapproche de William Eggleston ou Martin Parr, il garde toutefois une approche personnelle qui lui permet de se démarquer.

article blog janvier 2024 sur lars tunbjörk street photography
©Lars Tunbjörk

Avec un regard incisif et ironique – sans pour autant tomber dans la caricature, Tunbjörk a su documenter et raconter la vie à une époque très particulière dans l’histoire de la Suède. Sous son objectif, les couleurs et les compositions, le flash et l’étude de ses sujets deviennent des éléments narratifs efficaces pour transmettre ses histoires au spectateur.

article blog janvier 2024 sur lars tunbjörk street photography
©Rolf Adlrecreutz

Lars Tunbjörk – Site

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Article blog janvier 2024 résonances Fanny Genoux

Fanny Genoux et les Résonances niçoises

Fanny Genoux, enseignante à Nice, saisit des instants à travers son objectif lors de balades dans sa ville. Avec la photographie, cette artiste cherche à sublimer le quotidien en relevant la poésie de ce dernier. Lors de ses déambulations photographiques, Fanny Genoux utilise le milieu urbain comme toile de fond pour raconter des histoires. À la limite de l’abstrait, elle recherche des compositions graphiques fortes pour raconter l’Humain qui évolue dans son environnement.

Découvrez le travail de Fanny Genoux avec son livre Résonances, publié le 28 décembre dernier aux éditions Corridor Éléphant.

Article blog janvier 2024 résonances Fanny Genoux
©Fanny Genoux

Résonances par Fanny Genoux

Le nouveau livre de Fanny Genoux, Résonances, regroupe quatre séries photographiques de l’artiste. Ce livre de 42 images reprend par ordre chronologique ces séries qui portent des regards différents sur la ville de Nice. La première série, intitulée « Entre les lignes », est une série de noirs et blancs épurés aux compositions graphiques recherchées. Elle est suivie par « Éclipse », une série qui témoigne de la volonté de l’artiste de poursuivre cette recherche de l’abstraction en travaillant sur les ombres et les couleurs de la ville. « Saison Morte » permet d’introduire des sujets humains, isolés dans l’environnement urbain bétonné, et permet de mettre en avant les différences et les spécificités des individus. Enfin, la série « Monde Parallèle » explore la ville de Nice lorsque le soleil et les ombres sont absents, laissant place aux reflets et aux couleurs qui infusent les rues.

Les Résonances humaines dans la ville

Le livre de Fanny Genoux est un corpus photographique qui croise donc les différents regards que l’on peut porter sur une même ville. Mais la ville reste le point de départ de la réflexion de l’artiste, qui privilégie ici l’humain. Après des années d’exploration de Nice, Fanny Genoux trouve en ses habitants le moyen de porter un regard nouveau sur ce territoire. En documentant leur manière d’occuper l’espace et en relevant des détails de cette occupation, la photographe parvient à dresser le portrait frais et nouveau d’une ville qu’elle a à cœur.

Un [des] fils rouge est l’humain, sa manière d’habiter un territoire, d’y laisser des traces, directes ou indirectes, c’est finalement un certain rapport entre l’humain et la ville qui se trouve dans ces images.

Avec des approches différentes d’une même ville et de ses habitants, Fanny Genoux renouvelle sans cesse son regard sur Nice. La pluralité du regard permet à l’artiste de présenter la ville sous toutes ses facettes. Les différentes approches photographiques, allant du noir et blanc à l’exploration des couleurs en passant par les compositions marquantes et la recherche du clair obscur permettent à Fanny Genoux de créer des échos entre la ville, ses habitants et la pratique photographique.

Résonances est donc un livre aux multiples sous-textes qui présente Nice sous un regard exhaustif et attentionné.

Fanny Genoux – SiteInstagramLivre

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Article janvier 2024 les portraits de Jovana Rikalo

Les portraits chamarrés de Jovana Rikalo

Jovana Rikalo, jeune photographe serbe, commence la photographie avec un appareil photo de poche. À l’issue d’une deuxième année de droit, elle fait ses débuts en créant des photographies de nature. Ce n’est qu’un an plus tard, après avoir investi dans un meilleur appareil photo qu’elle se lance dans le portrait. Sollicitant d’abord sa famille, Jovana fait ensuite appel à des modèles et va vite développer son propre style, dressant alors des portraits colorés et chamarrés.

Non contente de réaliser de simples portraits, Jovana Rikalo nous raconte de douces histoires à travers ses photos.

Article janvier 2024 les portraits de Jovana Rikalo
©Jovana Rikalo

Jovana Rikalo et le portrait

Colorés et travaillés, les portraits de Jovana Rikalo sont tels des tableaux minutieusement composés. Évoquants des peintures comme Ophélia de John Everett Millais, les photographies de l’artiste sont longuement travaillées avant que photographe et modèle shootent en studio.

Derrière chaque portrait se cache une énorme quantité de temps et d’organisation : réfléchir à des idées, s’inspirer, écrire ses pensées, trouver et créer des accessoires pour la scène, trouver le lieu, les modèles et la tenue.
Il existe un lien étroit entre ces éléments et la manière dont vous les associez. Les émotions dépendent de mon état d’esprit et de la saison. En général, au printemps, il y a des tons pastel et en hiver, des émotions froides.
J’apprécie vraiment tout le processus de création.

De l'émotion à la photo

Jovana Rikalo voit en la photographie et dans l’art en général le moyen de s’exprimer. Plus qu’un simple shooting photo, tout son processus de travail permet à l’artiste de créer des œuvres intimes et personnelles. Chaque pièce et chaque détail contribuent à transmettre une émotion, un état d’âme que Jovana souhaite transmettre à l’observateur de ses photographies.

Ce que je ressens, je le crée. Les gens voient mes émotions et mes histoires dans mes photos.
Après une perte, un sentiment de tristesse ou de joie, j’utilise des émotions et des accessoires pour créer une œuvre. Je dois dire que l’art naît généralement de la tristesse et d’histoires plus profondes.

Jovana Rikalo, photographe proche de ses sujets

À ses débuts, Jovana Rikalo trouvait ses modèles grâce à des annonces en ligne. Mais avec un travail répété certains d’entre eux sont devenus proches de la photographe. Pour Jovana, le choix du modèle est très important :

Je suis très pointilleuse sur le choix des modèles. J’aime associer les modèles à un concept et à une scène. Je ne peux pas choisir n’importe qui.
Le choix des modèles est la partie la plus longue du processus.

Ce choix très pointu du sujet permet ainsi à Jovana Rikalo de penser les ambiances de ses photos en fonction de celui-ci. Les différents éléments qui composent ses tableaux fonctionnent ainsi comme un tout : lumière, pose, accessoires, et modèles fonctionnent ensemble.

Très prolifique, Jovana Rikalo continue de développer son art du portrait Fine Art.

En 2024, la photographe espère réaliser un projet conséquent sur lequel elle travaille depuis quelques temps.

Je n’ai pas encore pu réaliser un projet que je prépare depuis deux ans, car j’attends les meilleures conditions météorologiques pour le réaliser.
J’ai fabriqué un accessoire qui m’a pris environ 2 mois de travail et j’ai créé un costume spécial pour lui.
J’espère que 2024 sera cette année-là !

Article janvier 2024 les portraits de Jovana Rikalo
©Jovana Rikalo

Jovana Rikalo – SiteInstagramFacebookTwitterYoutube

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Agenda photo de janvier 2024 article blog

Votre agenda photo de janvier 2024

Une nouvelle année commence, et avec elle arrivent toutes sortes d’expositions en lien avec la photographie ! Alors si après les fêtes vous faites la résolution d’aller voir plus d’expos, on vous donne un petit coup de pouce — et de l’inspiration.

Un choix éclectique s’offre à vous en ce début d’année, avec des hommages à des grands photographes, des retours sur l’histoire de la photographie et l’exposition de talents émergeants, on vous met au défi de ne pas trouver votre bonheur ce mois-ci !

Découvrez sans plus attendre notre sélection d’événements photo près de chez vous en janvier 2024 !

Les expositions photo

Saamis nous vivions dans la Toundra

Du 18 janvier au 20 mars 2024, Graine de Photographe est fier d’exposer les photographies de Natalya Saprunova dans sa galerie de l’Île Saint-Louis ! Admirez sa série sur les Saamis, peuple autochtones du nord de l’Europe et de la Russie dont le mode de vie est aujourd’hui menacé. Originaire de la Russie arctique sur la péninsule de Kola à Mourmansk, Natalya Saprunova est une photographe documentaire qui a à cœur de raconter l’histoire de ce peuple fier que sont les Saamis.

Vernissage de l’exposition le 18 janvier 2024 à partir de 18h30.

Lieu : Galerie Graine de Photographe, Paris 

Agenda photo de janvier 2024 article blog
© Natalya Saprunova
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©Senta Simond, 2023

Senta Simond — Dissonance

Du 15 décembre au 11 février le studio de la MEP présente Dissonance, la première exposition personnelle dans une institution française de l’artiste et photographe de mode suisse Senta Simond.

Connue pour ses photographies du corps féminin qui vont à l’encontre des stéréotypes de la beauté féminine, Simond présente ici un ensemble de vidéos et de photos inédites dont la pièce maîtresse est un diptyque combinant vidéo et photographie. Elle propose un dialogue visuel et sonore entre deux jeunes femmes qui ne se sont jamais rencontrées en personne : une jeune danseuse ukrainienne et une harpiste irlandaise.

Lieu : La MEP, Paris 

50 ans dans l'œil de Libé

Jusqu’au 18 février 2024 les Archives nationales accueillent l’exposition 50 ans dans l’œil de Libé.
Choisies parmi la foisonnante production iconographique du quotidien Libération, qui fête ses cinquante ans en 2023, les photos exposées composent le film d’une mémoire à la fois intime et collective. Et invite à une déambulation, à travers le regard de Libé, celui des photographes ou des iconographes qui révèlent les coulisses, le contexte ou les secrets des images.

Lieu : Archives Nationales, Paris

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Octobre 1998, Paris. Godard dans l'œil de Libé. © Richard Dumas. VU'
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Robert Rauschenberg, 1961-1967 © Dennis Hopper

Une « histoire » de la photographie

Durant tout le mois de janvier 2024 et jusqu’au 7 avril, Agnès b. présente la septième saison de sa collection à la Fab dédiée à l’histoire de la photographie. Pour cette exposition, Agnès b. décide de faire déambuler le spectateur à travers un accrochage chronologique, qui commence avec une douzaine de plaques chronophotographiques négatives au gélatino-bromure d’argent, de tirages albuminés, de papiers négatifs, de photographies sépias, d’épreuves argentiques contretypes, datant de la deuxième moitié du XIX puis qui montrera l’attachement des photographes, et de la collectionneuse, au tirage noir et blanc jusqu’aux années 80 pour atteindre l’explosion de la photographie couleur dans les années 90.

Lieu : La Fab, Paris

COMM(E) UNE VILLE

Après la fermeture pour les fêtes, les archives municipales de Lyon accueillent le public du 7 janvier au 16 février pour une exposition des photos du collectif Item. Observer la ville par le regard des photographes contemporains, c’est obtenir une vision d’elle, de l’instant présent.
Mais l’observer à travers ses archives, c’est parcourir ses phases d’urbanisation, dans le temps et dans l’espace, avec leurs articulations, discrètes ou tumultueuses. Tel est l’objectif du parcours réalisé par les Archives municipales de Lyon pour accompagner l’exposition « Comm(e)une ville » proposée par le collectif.

Lieu : Archives municipales de Lyon, Lyon

Agenda photo de janvier 2024 article blog
Agenda photo de janvier 2024 article blog
© Harcourt

Toulouse dans l'œil du studio Harcourt

Du 15 décembre au 30 mars, découvrez une exposition événement qui rend hommage à la ville rose et ses habitants. Lieux emblématiques, icônes qui font battre le cœur des toulousains, art de vivre, vie culturelle toulousaine, l’exposition propose une série inédite de 22 œuvres photographiques signées par le Studio Harcourt Paris.

Lieu : Showroom Pelras Legend, Toulouse

LAWAL QUILCAS

L’exposition Lawal Quilcas qui se tiendra à la galerie Françoise Besson du 14 décembre au 2 mars est l’aboutissement du projet réalisé en 2022 et 2023 par Laurent Mulot en Argentine.

“Lawal est le nom de l’arbre millénaire de Patagonie argentine. En langue Mapuche, il signifie «celui dont la mémoire ne meurt pas». Pour les scientifiques les cernes de cet arbre constituent une horloge mémorielle de la vie de notre planète. Quilcas est un nom utilisé pour décrire un art graphique rupestre entre l’écriture et l’ornement de la civilisation précolombienne, jusqu’à ce jour énigmatique, comme le sont pour les profanes, la cosmogonie mapuche ou les représentations des données produites par les scientifiques.”

Lawal Quilcas s’intéresse ainsi à la mémoire des arbres millénaires de Patagonie, au croisement de différentes approches celle des scientifiques, et celle des indiens Mapuches qui vivent en compagnie de ces arbres depuis des siècles.

Lieu : Galerie Françoise Besson, Lyon

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Los senderos de la mémoria 4, 2023, diptyque, Tirage Fine Art sur dibond Edition de 5 + 1EA
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Sans titre (série Danses Macabres) © Jean-Baptiste Carhaix

La Camarde, photographies de Jean-Baptiste Carhaix

Jusqu’au 2 mars 2024, la Bibliothèque Part Dieu à Lyon expose le travail de Jean-Baptiste Carhaix, qui porta pendant plus de quarante ans un regard acéré et teinté d’humour sur ses thèmes de prédilection : la mort et la religion chrétienne. Adepte des paradoxes et doté d’un grand sens de la composition, il prit plaisir à faire poser modèles et objets tantôt dans des décors constitués de tissus lourds et sombres, tantôt devant des fonds aux couleurs pop.

L’exposition rétrospective La Camarde rend aujourd’hui hommage au photographe qui s’est éteint en mars 2023.

Lieu : Bibliothèque Part Dieu, Lyon

Robert Forte - Regard sur les Alpes sauvages

En janvier 2024 et jusqu’au 17 mars, le Musée de la Photographie de Nice expose les photographies de Robert Forte.

Amoureux des Alpes, l’artiste va dénicher l’inimaginable, l’incroyable, la stupéfiante beauté des lieux et des animaux sauvages. Après un grave accident qui le laisse handicapé, Robert Forte se tourne vers la photographie pour retransmettre son émotion face à la nature.

Lieu : Musée de la Photographie, Nice

Agenda photo de janvier 2024 article blog
Apparition, La Dibona, Massif des Ecrins, 2020 © Robert Forte

Publication photo

Résonances  de Fanny de Genoux

Agenda photo de janvier 2024 article blog
Résonances © Fanny Genoux

Résonances, le nouveau livre de Fanny Genoux, regroupe 42 photographies issues de quatre séries (Entre les lignesÉclipseSaison Morte et Monde parallèle) qui explorent la ville et les traces qu’y laissent les humains. Quatre séries sur lesquelles l’artiste travaille en parallèle depuis quelques années.

L’ouvrage sera disponible en édition de collection, tiré à 100 exemplaires, numérotés et signés par Fanny Genoux ainsi qu’en édition classique chez Corridor Éléphant Éditions.

Ce que vous pouvez encore voir de nos agendas précédents

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  • Second Nature, la relation de l’Homme et la Nature par Kaya & Blank
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article decembre 2023 arcs film festival

Les Arcs Film Festival revient pour ses 15 ans

Du 16 au 23 décembre 2023 se tiendra la quinzième édition des Arcs Film Festival. Ouvrant ses portes une semaine avant les fêtes, le festival aura à cœur de célébrer la richesse du cinéma européen.

article decembre 2023 arcs film festival

Les Arcs Film Festival, ses multiples facettes

Non content de célébrer son quinzième anniversaire cette année, les Arcs Film Festival 2023 sera également l’occasion de fêter les 10 ans du prix Sisley – Les Arcs Femmes de Cinéma et du Music Village.

Ainsi cette édition sera le théâtre de nombreuses festivités avec un programme chargé en évènements. Plus de 100 films seront projetés, accompagnés de nombreuses rencontres avec des talents du cinéma dont les invités d’honneur : Bérénice Béjo et Ruben Östlund. Ajoutez à cela des moments d’échanges et de réflexion, une touche de glamour, des concerts, des fondues, et vous retrouverez l’esprit stimulant et chaleureux du festival des Arcs.

article decembre 2023 arcs film festival

Pour les dix ans du prix Femmes de Cinéma, la lauréate Alice Rohrwacher sera à l’honneur avec les dernières gagnantes du prix pour un temps fort le jeudi 21 décembre. Précurseur au moment de sa création, ce prix a été pensé pour mettre en lumière le talent d’une réalisatrice particulièrement emblématique du cinéma européen. Un prix qui continue, années après années, à interroger le sujet de la parité dans le cinéma.

article decembre 2023 arcs film festival
Les Arcs Film Festival ©Pidz

Les thématiques du 15ème Arcs Film Festival

Cette année, les Pays-Bas seront à l’honneur à travers des films, des rencontres avec les talents néerlandais et la présence d’une délégation participant aux événements.

Le fil rouge de la thématique de cette édition est  “Le cinéma en thérapie : la santé mentale, devant et derrière l’écran”. Elle sera présente à travers toute la programmation avec des films labélisés ainsi que des débats et des ateliers ! Ce sera l’occasion de comprendre ce sujet avec un programme développé en collaboration avec le psychiatre Jean-Victor Blanc, organisateur du festival Pop&Psy.

Pidz, photographe des Arcs Film Festival

Pour cette nouvelle édition encore, Pidz, photographe formateur pour Graine de Photographe à Lille sera présent aux Arcs pour couvrir le festival. Et cette année, l’affiche a été réalisée à partir d’une de ses photos de la chaîne du Mont Blanc vue depuis les Arcs.

Spécialiste de la photographie de spectacle, ses photos dynamiques permettront cette année de rendre compte de l’effervescence du festival. Un beau moyen de se plonger dans l’ambiance pour tous ceux qui ne pourront pas se rendre au festival !

article decembre 2023 arcs film festival
©Pidz

Pidz – InstagramFacebook

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Article décembre 2023 ad vitam paname fabien ecochard

Ad Vitam Paname, la vie parisienne selon Fabien Ecochard

Photographe et réalisateur basé à Paris, Fabien Ecochard arpente les rues à la recherche d’histoires à raconter à travers son objectif. Sa série Ad Vitam Paname est l’une de ses histoires. À la manière de Georges Perec, Fabien Ecochard fait l’épuisement du lieu parisien et rapporte des histoires courtes lisibles dans chaque cliché.

Découvrez le travail de Fabien Ecochard, qui répond aux questions de Graine de photographe pour nous présenter sa série.

Article décembre 2023 ad vitam paname fabien ecochard
©Fabien Écochard

Pouvez-vous vous présenter ? Comment avez-vous commencé la photographie ?

Je suis photographe de rue, autodidacte, basé à Paris. C’est d’abord le voyage qui m’a éveillé à la photographie. Et en regardant en arrière, je réalise que je ne me suis jamais intéressé aux paysages cartes postales, aux monuments célèbres, mais depuis toujours aux gens. Les gens dans leur environnement, car l’un et l’autre se racontent ensemble à mes yeux. Naturellement, cette curiosité a envahi mon quotidien, si bien qu’aujourd’hui je ne sors plus de chez moi sans mon boîtier à la main. Une image m’attend au coin de la rue.

Pouvez-vous présenter votre série sur Paris ?

Comme beaucoup de parisiens, il est arrivé un temps où mon histoire avec Paris était en fin de parcours. J’ai quitté la ville trois ans avant de finalement revenir. À mon retour, j’ai littéralement redécouvert la ville, avec un regard nouveau et curieux. Cette série vient ponctuer 5 ans de travail, à collecter des petites histoires du quotidien qui racontent ma plus grande histoire de retrouvailles avec Paris.

Quelles émotions particulières désirez-vous susciter ? Quel message ?

Je ne cherche pas à délivrer un message en particulier, c’est à la fois la grande beauté et la grande difficulté de la photographie de rue, le propos est instinctif. Je pense qu’il y a autant de Paris à raconter qu’il y a de photographes.

Le Paris que je vis est vibrant, cosmopolite, parfois chaotique. Je m’attache à prendre le contrepied des clichés et d’une vision parfois trop passéiste de la capitale pour essayer de capturer l’énergie et la complexité d’une ville monde en mouvement permanent.

Les quartiers se transforment, les enseignes changent de propriétaires, le mobilier est modernisé, rien n’est permanent, tout change, mais les photos restent.

Article décembre 2023 ad vitam paname fabien ecochard
©Fabien Écochard

Avez-vous une image qui vous tient particulièrement à cœur dans cette série ? Si oui, pourquoi ?

Si je devais ressortir une image du lot, je pencherais pour une de mes plus récentes, à savoir celle du dalmatien dans les jupons de sa maîtresse. Car à mes yeux, elle réunit tout ce qui me fait m’attarder sur un cliché. A commencer par l’instant saisi, une scène à l’origine banale, qui en devient incongrue et fait travailler l’imaginaire. Il y a une tension dans la dynamique de cette scène, le chien et sa maîtresse semblent exercer des forces opposées. Et ensuite, il y a évidemment le travail sur la composition, avec ces lignes de fuite qui nous conduisent aux sujets et le rappel du motif tacheté sur la robe longue. Enfin, j’accorde une grande place au rôle de la lumière et de la couleur qui viennent ici se mettre au service de la narration.

Article décembre 2023 ad vitam paname fabien ecochard
©Fabien Écochard

Comment approchez-vous les gens que vous photographiez ? Les connaissez-vous ?

Pour moi, la photographie de rue consiste à composer avec l’inconnu et l’inattendu. Aucun des sujets dans mes clichés ne pose et je ne demande jamais d’autorisation. Avec le temps et la pratique, je parviens la plupart du temps à me faire oublier ou donner l’impression que je m’intéresse à un autre sujet. Et quand je suis repéré, c’est généralement trop tard, la photo est prise ! Si une discussion s’engage, je n’ai généralement qu’à expliquer ma démarche avec le sourire pour désamorcer toute crispation.

Paris, ville vivante

À travers ses photos, Fabien Ecochard retranscrit la ville vibrante et colorée qu’est Paris. Dans les rues, il épie avec une attention et une douceur toute particulière, faisant ainsi un portrait cosmopolite et délicat des habitants de la métropole. Ce florilège permet de se plonger au cœur de la ville et de ses habitants, hétéroclites et pleins de vie.

Fabien Ecochard – SiteInstagram

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Le Calendrier de l'Avent Graine de Photographe

Vous sentez cette bonne odeur de cannelle et de sapin ? Les fêtes approchent ! Pour ce mois de décembre 2023, Graine de Photographe a revêtu son costume de Père Noël avec un calendrier de l’Avent exceptionnel ! De nombreux cadeaux n’attendent que vous !

Déjà révélé sur notre page Instagram, le premier lot est un tirage Fine Art sur papier Hahnemühle 350 gr Museum Etching au choix parmi quatre portraits du talentueux et renommé photographe Arnault Joubin. Grâce à la généreuse dotation d’Arnault Joubin, tentez de remporter un portrait de César, Alain Bashung, Woody Allen ou Roschdy Zem d’une valeur de 3500€, signé, numéroté et remis en propre par le photographe à Paris ! N’attendez plus et participez au tirage au sort en suivant les indications sur le post Instagram !

À lot exceptionnel, règle exceptionnelle ! Pour participer, il faut avoir effectué une commande chez Graine de Photographe entre le 1er et le 31 décembre 2023. N’oubliez pas de préciser au moment de votre commande dans l’espace destiné au service client votre identifiant Instagram afin de vérifier que tous les critères de sélection soient respectés.

Des lots à gagner tout le mois de décembre !

Restez aux aguets, car tout le mois de décembre, Graine de Photographe vous présentera ses nombreux lots ! Nous remercions nos partenaires, grâce à qui la magie de Noël plane sur le monde de la photo. Un grand merci à Arnault Joubin, la MEP, MMF Pro, NYA-EVO, Ilford, Eyrolles, 3 legged things, l’Abeille Autonome, Luminar et Westcott !

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